Kinji Nakamura (La Maravillosa Sonrisa De La Felicidad)

Cuando viajas a un país que se encuentra a 180º de tu cultura, tu forma de vida y sobre todo la manera de entender la existencia puede pasar cualquier cosa, encontrarte con cualquier personaje de manga, cómic o cuento surrealista y vivir momentos que no pueden esperarse y mucho menos soñarse.

En Kyoto, más concretamente en Arashiyama, un lugar mágico por ese maravilloso bosque de bambú que altera los sentidos (todos los sentidos a poco que la sensibilidad te roce) se refugia a la vista del mundo un personaje tan de cuento como real, un artista llamado Kinji Nakamura que detuvo el tiempo en ese lugar para vivir de manera...

Rodeado de árboles, bambú, vegetación, animales y los otros animales que pasean por allí con una asiduidad abrumadora (llámense turistas y aldeanos) con una pequeña silla en la cual se sienta según le coge y el tenderete en el cual expone sus creaciones, este artista cuya edad me resulta indescifrable vive regando de un arte minimalista los sentidos de aquellos que se acercan para recrearse en sus obras y adquieren (o no, porque no hay nada de obligación ¡¡vive el cielo!!) alguna como un recuerdo muy especial de un lugar ajeno al tiempo y el espacio.

El bosque de bambú es de por sí magia, la sensación de silencio aún metido en el bullicio de la gente traspasa todo lo que te rodea y se te mete dentro, los colores y los juegos que las luces y sombras provocan son como un camino por el cual se pasea sin límites, como si de pronto todo fuera o viniera al tiempo, como si no existiera un delante o detrás. Todo el entorno se convierte en dueño de lo que intuyes y lo más increíble es que en medio de esa belleza, de esa natural forma desarrollada por la Madre Naturaleza la figura y los metros que Kinji Nakamura ocupa no desentonan en absoluto, quizás porque con los años se ha hecho parte de todo lo que le da la vida y hace que viva de una manera tan llevadera que contagia su sonrisa, sus palabras y ese tono dulce y exquisito con el que se expresa.

Sus obras son pinturas sobre la Naturaleza, el bosque, el Monte Fuji, las playas y orillas de su tierra, un tratado en colores y luminosidad de lo que sus ojos han visto y vivido, pequeñas postales que en unos escasos centímetros resumen mucho de lo que demasiados libros se empeñan en contar. 

Fascinante en sus formas, exquisito en el trato es capaz de captar la atención con su sonrisa, sus gestos nada forzados y su manera de mirar a los ojos cuando habla, un personaje que ya no necesita explicar ningún por qué y que transmite esa paz y calma que demasiados necesitamos.

En lo que respecta a lo particular por la relación de media hora escasa que tuvimos con él, al oírnos hablar cambió su japonés por un castellano más que decente aprendido durante un año viviendo en Santo Domingo de la Calzada hacía 22 años, algo que reforzaba lo que de sorprendente tenía el personaje y lo que transmitía.

A veces, no muchas por desgracia, el ser humano es capaz de ponerse a la altura de las circunstancias y provocar asombro como ese bosque de bambú único, esos colores de las luces y las sombras, ese sonido del silencio rompiendo contra el aire, porque hay miradas, sonrisas, expresiones y silencios que son mucho más elocuentes que la mayoría de las cosas que nos empeñamos en buscar.

Just What I Needed

Poster

Graham Parker, Esencia De Rock

Un trozo de papel guardado pacientemente en un cajón, observado, acariciado, imaginando llegar ese momento mientras se cuentan los días… Una pequeña  entrada, algo tan simple puede tener una gran recompensa cuando al final de la cuenta atrás llega un encuentro apasionante, en este caso, se trata de alguien que te roba el alma con la complicidad de una aliada perfecta, la Música.  Juntos llevan años de auténtica demostración de arte encima de un escenario, así es Graham Parker, con su imagen de rockero impenitente, gafas, guitarra, y unas enormes ganas de compartir un puñado de canciones de toda la vida.

Desde ahí arriba es capaz de lanzar emociones acercándose al alma de los que le quieran escuchar, así es como dibujó esa noche un paisaje de rock y creó una atmósfera mágica. En el interior de la pista de un pequeño teatro donde unas horas antes solo había mesas y sillas, más tarde supo llenar ese espacio de corazones que latieron al ritmo de sus sonidos, respirando un ambiente que tan bien supo proyectar con su música, haciendo  vibrar todos a uno, porque además no es posible evitarlo, no, si se siente una mínima sensibilidad cuando esas notas llegan a las entrañas. La esencia de un músico, de un grande del rock, que captó uno por uno a todos, dedicando no solo música también sus palabras y nos llevó muy arriba, junto a Brinsley Schwarz a la guitarra eléctrica, acompañando temas como “Don’t ask me questions” y otros muchos porque no bajó la intensidad en ningún momento y aún así, disfrutamos de bises para el final de un gran concierto.

Todo eso funciona solo cuando se es auténtico como él, cuando lo importante es llevar la música como forma de vida y su único fin es transmitirla llenando de letras y sonidos largos años de dedicación, por eso se le vio cómodo, conectado y experimentado como no podía ser de otra manera, demostrando calidad a raudales, así lo hizo sentir y así quedará grabado para siempre en la memoria de los que le vimos aquella noche inolvidable, 

¡Long Live Rock 'n' Roll!.

Entrada realizada por Jane, Musa del Rock y Amiga desde mi alma. 

Gracias Preciosa

De Vinilos y Otras Glorias MCLXXIX

De pequeños espacios donde uno no cabe y se intenta instalar a pesar de todo, lo que ocurre es que no siempre se llega.

Carmen Maki & Oz (Carmen Maki & Oz) 1975

Cuando Carmen Maki acabó su colaboración con Blues Creation no es que acabara su carrera, pero terminó el momento cumbre que la había llevado a una fama descomunal en Japón como cantante y parte de la cultura musical de los setenta.

Tras algunos años de otras cosas en 1975 se lanzó de nuevo a acaparar todos los focos como líder indiscutible de una banda y formó Oz, aunque estaba claro desde el principio que quien iba por delante del nombre era ella.

Un Rock Duro en clara sintonía con el Hard para dar un giro diferente a lo hecho hasta entonces dio como resultado este primer disco de título homónimo que no destaca por casi nada pero no desentona en casi nada.

Disco de escucha fácil y cómoda que abrasó en ventas en su país y que relanzó la carrera de Maki hacia... pues eso. En mi opinión el problema es que había lidiado con cosas muy buenas, excepcionales y casi inalcanzables y ahora todo se quedaba pequeño, y eso se nota. La banda es una más de tantas de Hard que en los setenta te hacían un buen disco sin problemas, pero había que pedirle algo más.

El riesgo lo tiene, porque de los seis temas del disco en tres de ellos se la juegan con duraciones de  más de ocho minutos uno y más de once en los otros dos pero salvo el tema estrella del disco y del grupo, "Watasi Wa Kaze" que tiene todo lo que hay que tener y es un temazo y el que abre la cara A "Rokugatsu No Uta" que se convierte en una balada más dura de lo habitual, para mantener esas duraciones y que salgan hay que abrasar y por alguna razón Maki se queda en un intento de salvaje acometida sin llegar hasta donde tres años atrás lo hacía sin esfuerzo (obvio comentar el vodevil a mayor gloria de Carmen titulado "Kino Sakaba De Mita Onna")

Quizás me he vuelto muy exigente o la Música japonesa me llega tanto que lo que no lo hace me deja un poco frío, insisto que en cualquier circunstancia es un disco de Hard escuchable sin problemas pero... lo lógico es que esté equivocado, porque se salió en las ventas y los medios.

Para echar de menos una voz salvaje, poderosa y con alma a pesar de los pesares.

A:  Rokugatsu No Uta;  Asa no Fükei;  Image Song

B:  Ozen Ichiji no sketch; Kino Sakaba de mita Onna;  Watasi Wa Kaze

De Vinilos y Otras Glorias MCLXXVIII

Uno de los más grandes grupos de la Música nipona en el que fue su debut como parte del universo sonoro del País del Sol Naciente.

Far East Family Band ("The Cave" Down To The Earth) 1975

Maravilloso Rock Prog. creando atmósferas de sueños nos traen estos músicos que componen una de las bandas más aclamadas y recordadas de todo el panorama musical de Japón (al margen de estilos, creencias y dudas existenciales)

Su debut con este "The Cave Down To The Earth" no fue sino el preludio de una historia increíble y genial que proyectó el Prog. realizado fuera de las Islas como pocas ocasiones por la sensibilidad y sensualidad en el tratamiento de los sonidos, una atmósfera que sólo desde los orígenes del grupo puede advertirse como posible y una conjunción de talentos que unidos formaban una banda increíble.

La propia presentación del disco crea esa atmósfera de enigmática belleza que nos envía a explorar los confines del Cosmos a través de su Música, rica y llena de momentos espaciales pero a la vez plena de instrumentación más allá de lo que el propio Prog. Espacial invita a conocer.

No podemos negar que este disco como la carrera de la Far East Family Band es un canto a los teclados que deambulan por todos los lados creando atmósferas oníricas y aperturas mentales para quien se atreva a sentirlas, pero las guitarras, las percusiones y los instrumentos de vientos son tan importantes como esos teclados ávidos de llevarlo todo hasta el infinito. Ni que decir tiene que la voz como un susurro se te mete en las entrañas acompañada de coros y melodías preciosas.

Los espacios en los cuales la guitarra aparece son momentos que recuerdan al Prog. más clásico, más inglés, pero "The Cave Down To The Earth" tiene el don de sonar a lejanos pasajes de oriente con ese instante de belleza sutil y casi imperceptible que sólo por aquellos lares se da y que Fumio Miyashita, líder e inspirador del grupo, sabe elevar a la categoría de arte.

Una pequeña joya quizás demasiado olvidada porque el grupo realizó discos de exuberante belleza y categoría y no tuvo el magno reconocimiento de otros trabajos siendo de una importancia capital para la Música japonesa de todo el período setentero, un momento álgido y muy especial que inició una carrera que no paró de crecer.

Side 1: Undiscovered northern land;  Birds Flying to the cave down to the Earth;  The God of water;  Saying to the land;  The God of wind;  Moving, looking, trying, jumping in a maze;  Wa Wa;  Mystery of Northern Space

Side 2:  The Cave Down To The Earth;  Four Minds;  Transmigration

De Vinilos y Otras Glorias MCLXXVII

Un músico especial, al margen de los convencionalismos y creador de un universo a través de algo tan inusual como excitante.

Stomu Yamash'ta (Uzu - The World Of Stomu Yamash'ta) 1971

En los primeros años de su carrera, este percusionista genial grabó varios álbumes de sonido en directo en los cuales demostró su talento y clase en ocasiones solo ante la audiencia, en otras acompañados de músicos reputados en las sesiones en directo.

"Uzu - The World Of Stomu Yamash'ta" es uno de estos álbumes del año 1971, prolífico en este tipo de actuaciones y que fueron creando la fama y el nombre del músico no sólo en Japón sino más allá de las fronteras hasta ser parte de colaboraciones con grandes de la Música universal.

El álbum, grabado el 11 de enero de 1971 en el Tokyo Metropolitan Cultural Hall se compone de tres temas, básicamente improvisaciones de los músicos que van generando sonidos de una textura íntima y oscura en los cuales te vas perdiendo poco a poco entre todo tipo de elementos de percusión interpretados por el mago Yamash'ta que van envolviéndote en ese mundo onírico que recrean como un sueño inacabado al que puedes darle la forma que te plazca. Junto a él la flauta de Suiou Tousha se convierte en el impacto que choca frontalmente con las percusiones y los efectos de todo tipo que se desenvuelven por el espacio y la batería de Roetsu Tousha aumenta el poder de esa percusión que te adormece, te mece y te lleva (aunque parezca imposible en estos tipos de sonidos)

Un disco para estremecer por la belleza y lo dulce que es a pesar de todo, un momento enigmático casi en silencio en ese primer tema ""Exaedros I" con 6'37'' de suspensión en el vacío al que siguen los 10'27'' de "Nenbutsu" la primera improvisación reconocida por el creador en el disco. 

La cara B se la lleva "Uzu" otro desmesurado y creativo toque improvisado de 15'30'' que llama a los espacios y los silencios rotos cuando Stomu se empeña en alcanzar las más altas cotas de lo que su mente de percusionista desea y que no es fácil adivinar.

Un disco para entender otro tipo de sonidos que son parte de ese universo que llena a partes iguales a pesar de entenderse de otra manera cuando nos los enseñan encorsetados en el contexto de un todo que llamamos Música. 

De Vinilos y Otras Glorias MCLXXVI

Una especie de obsesión para quienes aman lo que no está en los límites sensoriales de la Música, cualquiera que sea.

Les Rallizes Dénudés (Untitled) 1967-69 / 1980-81

Cuando lo Bizarro se convierte en extremo y lo extremo se eleva fuera de los límites de lo que se puede entender aparecen Les Rallizes Dénudés, un grupo de Música que se convirtieron en los pioneros de muchos de los estilos que han querido romper con todo a lo largo de las décadas, primero en Japón y después en buena parte del mundo.

Dirigidos, ideados, inventados e imaginados por el intelecto de Takashi Mizutani el grupo ha sido una de las piezas fundamentales de todo lo que la experimentación, la llamada (no sé muy bien por qué) "Avant Garde" y el expresionismo musical han dado al universo sonoro antes que muchos iluminados que han creído inventarlo.

Este doble álbum titulado sin título es un ejemplo de lo que eran y hacían, de lo que supuso su inclusión en la Música y de lo que casi nadie ha entendido nunca, a pesar (en mi opinión, por supuesto) de llenar más de una página de lo que no debe ser y sin embargo muchos desean.

Cuatro caras que dicen todo en distorsiones, extremos sonidos radicales y bizarros momentos espaciales para desaparecer tras o durante su escucha, con épocas bien diferenciadas del grupo, como esa cara A con el tema "Smokin' Cigarette Blues" grabado en el estudio "Et Live" entre el año 67 y 69 (lo de las fechas con ellos exige siempre un interrogante según qué casos) donde se muestran en el génesis de una forma única de tratar los sonidos más ilimitados, brutales, salvajes, enérgicos, precarios en la limpieza y el cuidado de lo que dan, emocionantes hasta decir basta e impactantes. Cara B grabada en sesiones de estudio en el "Mars Studio" el 09.09.1980 en esa línea nunca pulida pero más cercana al caos del final de todo, caos que arrastraría al grupo con momentos incluidos en lo que nunca debió ser, la extensión de sus ideas a actos de terrorismo puro y duro.

El segundo disco no deja de pasearse por esa línea tan frágil de lo demencial y lo mental, una cara C con dos temas, "Field Of Artificial Flowers" grabado el 18.08.1981 con la guitarra de Mizutami arrancándote la piel para que sepas quien manda y nadie más y "Night, Assassin's Night" del 29.10.1980 toda una declaración de intenciones. La cara D cierra el disco con una descomunal sesión de ataque mental titulada "The Last One" de la misma sesión del 29.10.1980 para terminar esta orgía sin final que el grupo y sobre todo Mizutami ofrece a quien desea evadirse de este mundo.

Tengo mis momentos y Les Rallizes Dénudés es uno de ellos, no deseo que nadie lo entienda, como ellos nunca desearon serlo porque eso es otra historia, al igual que no me importó la cara de escepticismo del tipo que me lo vendió en la tienda de Shibuya donde lo compré, quizás por mis rasgos, quizás por el disco, quizás porque... es otra historia.

El Alma Se Escapa...

Sueños Rotos (En Blanco y Negro)

Una noche cualquiera y ese lugar al que se denominaba club para no preocupar a la propia conciencia estaba preparado para lo que fuese. Pocas horas antes lo que se presentaba como un lugar donde poder dejarse ir se encontraba sumido en el mayor de los desórdenes, mesas volcadas, desperdicios por todos lados y la evidencia de que muchas veces las celebraciones no son lo que debían ser, sino el refugio para escapar de las frustraciones del día a día.

Todo termina siendo lo que uno quiere, y este caso no era una excepción, cuando la cavernosa estructura del sucio almacén que hacía las veces de lugar de encuentro para desfogarse se transformaba en un lugar que parecía un reino de cuento de hadas.

No puedo dejar de preguntarme, ahora que la distancia y el paso del tiempo han puesto mi memoria y los recuerdos en su lugar, cómo conseguíamos introducirnos en el alma de la gente a través de tres micrófonos que sonaban cuando querían, cuatro altavoces a los que alguna que otra patada soltada con sabiduría hacían funcionar y cuatro instrumentos conseguidos en la maravillosa pero decadente tienda de un tipo que sobrevivía gracias al alquiler de lo que creaban los sueños, o más bien a procurar que esos mismos sueños pudieran hacerse realidad a través de las manos de varios locos sin sentido alguno de lo que no fuese disfrutar, amar la Música y pensar que podíamos llegar a cualquier parte.

Nunca fue un pretexto para hacerlo, simplemente nos dejábamos llevar por el deseo de quererlo, amar lo que durante tanto tiempo nos había hecho sonreír aún en los momentos más crueles de nuestra existencia, y es verdad que había algo de mágico en todo aquello, porque de no ser así hubiera sido impensable creer que entre el humo, el sudor y las voces de la gente totalmente entregada, los sonidos hubieran podido surgir (¡y de qué manera!) para convertirse en lo que durante años, sin faltar nunca a la cita, hizo vibrar las noches de aquél lugar en un rincón apartado del mundo, pero de nuestro mundo.

Nunca he sentido la complicidad como cuando nos mirábamos antes de atacar cualquier tema que sugeríamos sobre la marcha, y jamás he vuelto a sentirme tan vinculado al espíritu de nadie como en aquellos días, cuando los sonidos que emanaban de los instrumentos acariciados por mis compañeros me atravesaban el alma, desgarraban mis entrañas y me empujaban para poder llevarme, a su vez, hasta donde ellos esperaban que estuviera.

Creamos un sueño de la nada más absoluta, y afortunadamente el paso del tiempo ha hecho que todo quede en blanco y negro, en ese espacio de la memoria que nunca se borra, y con ello los gritos de todos los que fueron parte de ese viaje que nos llevó a ninguna parte.

Poster

Música

Dicen que soy un seductor porque embauco a la gente cuando hablo de Música. La Música no sabe de engaños, si hablo o escribo sobre ella no tengo que engañar, ni siquiera me planteo que guste o se comparta lo que digo. 

Pensar que estoy loco por lo que siento es tan habitual para mí que el sentimiento se torna placer al tenerla.

Mi pasión es tan real como el aire que respiro, pero aprendí hace demasiado tiempo que no sirve para nadie lo que tú ames, lo que te emociona o te lleva. 

En realidad nunca me ha importado lo que piensen de lo que creo y con la Música no es una excepción, la amo, la vivo y es parte de mi alma, a partir de aquí nada es nunca lo que parece y además, jamás podría hacer ver lo que realmente siento por ella.

Don't Ask Me Questions

Seres Inacabados

Una voz salió de su interior, dulce, suave, acariciando sus sentidos, una voz que le era muy conocida, su propio eco a través de todos los seres que había sido, pero un sonido que no tenía ningún signo de temor, que transmitía la paz y la calma que sentía.

Eres, soy, somos una forma de vida que vive para ser, existir, mantenerse, un ángel según lo llaman los humanos, aunque ellos no sepan a ciencia cierta a qué se refieren. Eres lo más puro de la existencia, un ente que vive eternamente por sí mismo y seguiremos manteniendo nuestro halo a través de los tiempos porque estamos en ti y tú eres todos nosotros. 

De la oscuridad, un nuevo Íncubo ha sido enviado para poseer lo que él no posee, pero toda la esencia de lo puro está unida en una sola, quizás el cuerpo pueda vencerse, el alma viajará de nuevo a través de los tiempos, lejos, en los confines del universo. 

De Vinilos y Otras Glorias MCLXXV

Grupo mítico (¡¡cuántos van ya, rediéz!!) de Japón enclavados en esa parte tan especial de la Música creada en el lejano oriente que hace temblar las mentes.

Taj Mahal Travellers (August 1974) 1974

Quizás se pueda considerar el testamento de Taj Mahal Travellers, último disco reconocido de la gloriosa época en la cual deambularon por los espacios musicales creando y recreando visiones de sonidos para llenar las mentes.

Grabado el 19 de Agosto de 1974 en "The Nippon Columbia Studio Nº 1" de Tokyo vuelve a ser una obra magna en la interpretación de los sueños a través de esas recreaciones oníricas de Música electrónica, teclados sin final aparente y límites nunca interpuestos a la imaginación.

Doble disco de apabullante belleza mental en el cual los miembros de la banda se entregan (otra vez, de nuevo) a la improvisación sacando astillas de las entrañas sonoras que ofrecen a través de los instrumentos nunca descubiertos del todo que cada uno de sus miembros maneja desde la identidad propia y con la habilidad tan especial para convertirse en grupo (me fascina y a la vez me provoca risa por la ironía del planteamiento ese "etcétera" que los créditos subrayan en los instrumentos tocados por cada músico)

Un sólo tema inacabado o cuatro piezas, según te plantees el giro del vinilo correspondiente, que puedes desmenuzar como te dé la gana porque la propuesta son 88'14'' de Música electrónica, imaginativa, visionaria y caótica desde la perfecta organización funcional de las mentes de los intérpretes que te transportan a un viaje sin retorno si crees en este sentido particular y único de creatividad emanada de los sonidos.

Para quien busque comprender, beber, descubrir lo que es... no hay lugar, para quienes dejan libre la mente y puedan jugar con todo lo que las sensaciones provocan cuando nunca se esperan Taj Mahal Travellers son la guía perfecta en momentos inesperados y este "August 1974" una pieza más para seguir montando ese universo que se me antoja fascinante.

Disfruta sin límites, déjate ir hacia donde nadie puede alcanzarte, viaja de la mano de las notas convertidas en perfecto instrumento de la nada y el todo, siente el abrazo de la Música y a partir de ahí este "August 1974" puede ser simplemente magia...

Takehisa Kosugi violín, armónica, voz, etc. Ryo Koike bajo, santur, voz, etc. Yukio Tsuchiya tuba, percusión, etc. Seiji Nagai trompeta, teclados, percusión, etc. Michihiro Kimura voz, percusión, mandolina, etc. Tokio Hasegawa voz, percusión, etc. Kinji Hayasi técnico electrónico. Hirokazu Sato percusión, voz, etc.

De Vinilos y Otras Glorias MCLXXIV

Grupo de idas y venidas, uno de los más afamados de la escena Pop Rock Psycho del Japón de los sesenta vuelve a Pasear Por Nuestros Sueños.

The Golden Cups (Album) 1968

Ni querían ni pretendían engañar a nadie, por eso su primer disco, este "Album" es un conjunto de versiones de temas de toda la vida en la que demuestran las influencias que les habían llevado a lanzarse al mundo de los sonidos.

Viejos y clásicos temas del Rock'N'Roll ("Unchained Melody") un poco de melodía para bailes fáciles al son de la banda ("A Whiter Shade Of Pale", "My Girl") estremecedores ataques a los sentidos con un poco de Soul descarnado ("I Feel Good") conversiones de mitos en trallazos garajeros para que no falte de nada en esa intensidad con la que se movían a la hora de hacer Música ("Hey Joe") R'N'Blues a galope tendido y sin frenos ("Get My Mojo Working") y algún que otro Blues callejero ("LSD Blues")

Sin dejar de admirar lo que amaban The Golden Cups consiguen un estilo propio gracias a la manera de traducir en ritmos esos temas eternos, guiados por la voz de Tokimune Hirao que pone todo su empeño y su alma en llegar al fondo de las emociones, con un conjunto de voces que siempre le arropan en los estribillos clásicos. 

Las guitarras de Eddie Ban y Kenneth Ito soportan esos ritmos y modifican según el estilo que toquen porque es tal la variedad que no se centran en uno; entretanto la sección rítmica cierra el círculo junto a esos desgarros que a modo de trallazos las armónicas nos regalan en Blues y R'N'Blues sin final con el bajo de Masayoshi Kabe y la batería de Mamoru Manu. 

Uno de los grupos que más se extendió en el tiempo de manera continuada dentro de esa cantidad enorme de músicos que al amparo de la Música que regaba el universo salieron de la Tierra donde el Sol nace, con calidad instrumental y una facilidad innata para hacer bellos y elegantes los temas de toda la vida pasados por sus manos.

Disfruta de una Música nunca desconocida pero entregada desde otra parte del mundo, porque querido, lo eterno no sabe de lugares y más allá de la propia Música están los deseos por saborearla.

De Vinilos y Otras Glorias MCLXXIII

Otro de los grupos pioneros para que la Música allende los mares fuese calando en tierras japoneses nos visita por segunda vez.

The Spiders (Album Nº 1) 1966

Formado a principios de los sesenta con la intención de hacer (es lo que tocaban al comienzo) Música de Western y Country en el año 64 con la incorporación del vocalista Jun Inoue dieron un giro a su forma de expresión musical y comenzaron a tocar jazzy instrumental para más adelante y debido a otras influencias externas decantarse por un Pop Rock fresco que a su vez derivaría a finales de la década en la Psycho al uso.

Este "Album Nº 1" es su disco presentación tras recorrerse buen número de locales dándose a conocer y lograr una reputación en todo el Japón. De hecho The Spiders fueron de los primeros grupos que aglutinó seguidores fieles a la banda como tal y de los pioneros en salir de Japón para actuar fuera de sus fronteras.

El álbum se compone de doce canciones que debido a la calidad de los músicos se van desgranando sin esfuerzo, influencias evidentes y nunca ocultadas de The Animals, The Beatles, Kinks, Rolling Stones... con algunos de ellos como The Animals hicieron de teloneros en algunas de sus giras. Clásicos mezclados con temas propios en una etapa claramente más Pop Rock con una importancia más que evidente a los conjuntos corales debido a la calidad de sus dos voces solistas, Masaaki Sakai y Jon Inoue que consiguen preciosas melodías vocales de un efecto muy bello.

Musicalmente el disco es de un gran nivel destacando el uso del órgano por Katsuo Ohno, perfectamente conjuntado en los momentos en los que aparece como principal soporte con las guitarras y esa percusión que nunca cesa de llevarte hacia adelante.

A mi entender, aparte de la calidad indiscutible del grupo como instrumentistas y su capacidad para recrear los temas, su mayor virtud radica en el bloque compacto que forman, siete músicos que suenan como una pieza indisoluble que te envuelve como un todo al ser escuchado.

Una delicia en clave de Pop Rock al uso sin estridencias ni efectos multicolores, buena Música para escuchar en cualquier lugar y de cualquier manera por parte de uno de los grandes grupos del Pop Rock nipón de la historia.

Masaaki Sakai voz y flauta. Jon Inoue voz. Katsuo Ohno órgano y steel. Hirosi Kamayatsu guitarra y voz. Takayuki Inoui guitarra. Mitsuru Kato bajo. Shochi Tanabe batería.

De Vinilos y Otras Glorias MCLXXII

Un grupo que ya nos visitó con obras de enorme calado en su tierra y que ahora se desliza con alguna que otra delicatessen.

Mops (Mops) 1970

Tras su enorme entrada en la Música nipona con la obra "Psychedelic Sounds Of Japan" la carrera de Mops no fue ni mucho menos un descenso como solía ocurrir a muchos de los grupos que se formaron en la Tierra del Sol Naciente al amparo de la maravillosa Música que les venía del otro lado del océano.

"Mops" es un conjunto de canciones tan atrevidas como seguras de sí mismas por la manera en la que son tratadas por el grupo, un puñado de sonidos que viajando entre la Psycho más pura y el Rock'N'Roll más primigenio se encuentran en ese punto tan especial en el cual la propia idiosincrasia del grupo y su cultura otorga la diferencia que nos llega a nuestros oídos.

Y es que el grupo no engaña, bebe de las fuentes de lo aprendido, como ya hiciera en su primer disco y realiza versiones descarnadas desde un punto de vista adecuado a lo que se le pide en la Isla donde todo es posible. De esa manera los ritmos y acordes basados en la Psycho que aterrizó en las costas sobre todo de la mano grupos de vanguardia van adhiriéndose a sus ganas de realizar Música e impregnándose de la capacidad para asumirlos por parte de estos músicos amantes de la calidad.

Psycho, Folk, Pop, Garage y Rock'N'Roll entre voces solistas y coros que da gusto escuchar, guitarras que empujan hacia el movimiento de los ritmos y secciones rítmicas para apoyar gracias a la calidad instrumental de sus miembros en auténticas delicias susurrantes o fuertes impactos sonoros garageros recordando a gente como The Shadows Of Knight o The Blues Magoos (bandas que me apasionan por la intensidad de sus creaciones) y su forma de plasmar la Música.

Un disco para disfrutar de una Música eterna, hecha como siempre, con calidad y estilo pero con ese sello particular y precioso que los grupos japoneses siempre ponen, en este caso de la mano de un maravilloso grupo que tiene muy claro a lo que juega.

Disfruta de la Música eterna, la que sigue sin conocer fronteras, la misma que se desparrama por cualquier lugar del universo cuando la calidad se une al talento, caso de Mops y su Música.

Roger Dean (Uriah Heep)

Genesis - Supper's Ready (Live)

Cruel Destino

¿Cuál ha sido la última del cruel destino? Ah, sí, un pequeño sunami en las costas de Alejandría que ha repercutido en los anagramas cíclicos de la carretera que da acceso al monte pelado y esa vibración chocando con la última subida de la marea en el hemisferio norte ha hecho que no se pueda realizar la prueba definitiva para saber si nuestro sueño era determinante en las caceroladas del barrio de Gututplack, allá por la anti planicie andina, por lo que el destino ha vuelto a jugar en contra de los hacedores de las más altas cotas de la imaginación humana y nos impiden grabar, pasar al ordenador, poder sacar copias en una memoria externa, dejar constancia de nuestra impronta... y más cosas que no puedo enumerar porque me canso.

Neil Young

Poster

De Vinilos y Otras Glorias MCLXXI

Artista que se encumbró a través de grupos míticos y quizás debió usarlos en más de una ocasión para continuar la fiesta.

Carmen Maki (Maki Live) 1971

El mismo año en el cual el mundo descubrió su impresionante voz y carisma a través del disco realizado con Blues Creation (ella con el grupo y no el grupo acompañándola como se tiene la idea en ocasiones ¡¡qué joooooé!!) Carmen Maki realizó esta grabación de un concierto acústico (al menos en un porcentaje importante del mismo con las guitarras siempre en estilo Folk) el día de fin de año del 71 en Tokyo (más concretamente en Shinjuku un barrio especialmente emblemático de la capital nipona) ese espacio temporal que le dio fama y reconocimiento.

Voz tremenda e inigualable, cuando toma otros caminos no se puede comparar con los impresionantes registros de Blues Rock que demuestra entre músicos brutales y mitos de la Música japonesa pero lo que no se le puede negar es esa pasión por la Música y su manera de vivirla.

"Maki Live" es un canto a su persona, una demostración de gusto por ella misma y lo que puede hacer pero dulcificada en lo musical para que la voz de Maki sobresalga por todos lados y demuestre lo que sabe. De hecho son los clásicos de toda la vida versioneados con gusto en los que mejor se muestra (a pesar de cantarlos en un perfecto japonés) con una banda que cumple sin problemas porque no se les exige salvo guardar las espaldas de la cantante y estar en los momentos en los que debe descansar con su voz.

Baladas, suaves caricias al aire y susurros sobre la piel jalonan la mayoría del disco que de no conocer a quién lo hace sería un gustazo dulce y sensual para saborear pero que sabiendo hasta dónde y de qué manera se queda un poco descafeinado porque Carmen Maki (según con quién, todo sea dicho) llega mucho más allá.

A pesar de todo, olvidando casi todo y pasando de lo que es el todo el disco merece la pena porque la buena Música se destila, clásicos y no tanto en un Folk acoplado a las circunstancias, sin estridencias, sin esfuerzos, sin altibajos y por supuesto con la voz por encima de lo que sea y eso siempre gusta (lo que ocurre es que me he vuelto muy exigente con la edad y lo que me enseñan ¡¡¡qué se le va a hacer!!!)

Para amantes de Carmen Maki, del Folk hecho con gusto y de esa Música que cuando sabes que debes estar siempre te viene bien. Puede ser mucho, poco o casi nada pero la verdad es que muchos que tienen prensa no valen una mierda comparado con esto, de modo que...

De Vinilos y Otras Glorias MCLXX

Alguna vez me han dicho que no entienden lo que entiendo (más de las que fueran lógicas) por eso a veces mi mente necesita cosas como esta.

Yoshi Wada (Earth Horns With Electronic Drone) 1974

Aviso a navegantes y a esos cuatro que siguen este espacio sin dudas ni miedos, esta es una obra para que la mente se vaya (el lugar no es aconsejable planteárselo) y posiblemente no vuelva nunca, por eso su escucha y disfrute hay que espaciarlo, tomarlo como quien lo necesita pero sin serlo, meterse en la locura sabiéndose aún un poco cuerdo y a partir de ahí...

En un triple vinilo que sobrepasa todos los cánones de la lógica Yoshi Wada junto a cuatro iluminados (esta vez lo de los cuatro es real) y durante 2 horas y 42 minutos sin pausa ni momentos para que se pueda tomar el aliento se marcan una experiencia extrasensorial más allá de los sentidos improvisando sobre una base machacona, exasperante, demencial y al tiempo (para el que suscribe) fascinante con instrumentos de viento primitivos y sacados de las entrañas de nuestro Planeta mezclados con variaciones electrónicas de la mano de Liz Phillips que da un toque de lo más devastador para que los sentidos estallen o sigan como autómatas todo lo que les viene encima, todo o nada según se mire.

Grabado en el Museum of Art de Syracuse (NY) en el año 1974 la experiencia es una continuación de sonidos que sólo se detienen con el giro de cada cara del disco correspondiente, adentrándose en una espiral de incongruentes repeticiones o de lógicas circunferencias que te envuelven para no poder salir de ellas.

La locura o la magia unidas por un hilo tan fino e inestable que debes decidir (en el supuesto que el atrevimiento te lleve a posar la aguja sobre la cara A del primer disco) si continuar hasta el final como un poseso o mandarlo todo a la mierda y pasar página a los pocos minutos de su escucha.

A partir de esta premisa todo es un momento que se alarga en el tiempo o se detiene según los deseos de quien soporta o goza de la experiencia, de quien quiere pasarse ciento sesenta y dos minutos de su vida alucinado y en otra dimensión dejando que su mente haga lo que le dé la gana o de quien decide que para estas historias ya están ciertas sustancias más fáciles de consumir.

Mente, sueños y delirios en una obra creada para disturbar o... pero eso es otra historia y sólo depende de ti.

Yoshi Wada, Barbara Stewart, Garrett List, Jim Burton, piperhorn. Liz Phillips instrumentos electrónicos

De Vinilos y Otras Glorias MCLXIX

Un poco de poder para erizarnos la piel porque adormecerse no es bueno cuando te están pateando el culo, como hacen estos chicos...

外道 (外道) 1974

Si uno está dormido o en letargo las primeras voces del disco del grupo japonés Gedo con gente hablando y esperando la supuesta salida de la banda para tocar no les hará salir del sopor, pero cuando los primeros sones de esa entrada llamadas "Kaori" te llegan a los sentidos es mejor estar despiertos para que el corazón no se te salga por la boca.

Y es que Gedo no escatima esfuerzos para adentrarse en tu mente a través de tus tripas y destrozarte sin miramientos con un Hard Rock que se acerca y mucho el Heavy más frenético, el cual no abandonan durante toda la obra salvo algún Rock'N'Roll clásico que se cuela por entre los surcos y que es evitable.

Brutal y contundente, poderoso y salvaje este Power Trío en la mejor tradición de los que les enseñaron cómo manejarse venidos de Occidente arranca astillas de donde no hay nada gracias a esa guitarra de Hideto Kano que en ocasiones parece salirse de la lógica sonora de los temas, excesivo, mastodóntico en su ataque a las seis cuerdas cuando alcanza la velocidad de crucero que no deja en temas que son un relato de huida hacia ninguna parte. La sección rítmica nunca va a la zaga, deja hacer y ellos hacen, el bajo de Masayuki Aoki que se estira hasta proporciones increíbles para cubrir huecos dejados por las seis cuerdas que vuelan libres y la batería de Ryoichi Nakano pateando culos a diestro y siniestro con solos que se comen todo lo que encuentran; el uso del sintetizador por parte de Nakano podría estar bien en otro lugar, no en este disco, afortunadamente no se usa apenas.

Temas que beben de las fuentes de donde viene toda la Música, con guiños descarados en clave nipona a mitos, como ese "Neruma" que parece una ofrenda de calidad al "Hey Joe" de toda la vida. No obstante el sello propio del grupo se deja ver (¡¡y de qué manera!!) en temazos como "Dance, Dance, Dance" abrasiva y emocionante.

En definitiva un tremendo y genuino disco de Hard contundente y sin concesiones, primitivo y descarnado, visceral y sin nada que ocultar para disfrutar del poder de la Música aplastándote con gusto.

De Vinilos y Otras Glorias MCLXVIII

Seguimos por esos lares (o si estás por allí por estos) con un impacto sonoro de enormes proporciones para los sentidos, eso que nos gusta tanto.

Tokyo Kid Brothers (Throw Away The Books Let's Go Into The Streets) 1971

La descomunal entrada del primer tema abrasándote las entrañas a toda pastilla va dejando claro lo que estos chicos de Tokyo Kid Brothers pretenden para esta ópera urbana sobre el drama vivido en las calles basado en una idea de Shuji Terayama.

Más que como grupo en sí Tokyo Kid Brothers funcionan como una compañía que pone en pie las ideas visuales (ya sean para teatro, ya sean para otro tipo de arte) a través de la Música y cuyo momento cumbre, este "Throw Away The Books Let's Go Into The Streets" es una demostración de arte global en forma de sonidos.

Excepcional en lo musical, brutal, directo al entrecejo, casi violento en algunos momentos, con voces infinitas aullando al viento las miserias en coros que quieren (no sólo lo parece) destrozarte el ánimo y comerte desde dentro.

Como toda historia contada con Música hay momentos para los distintos estados de ánimo trasladados a los sonidos, como la amargura y la melancolía reflejada en esos instantes de calma chicha que el piano y los teclados se encargan de apaciguar con melodías al uso de toque oriental preciosas, bellas y enigmáticas en ocasiones.

El miedo, el temor a lo que se vive, la esperanza en ocasiones venida y huida, todo lo que acontece cuando se vive como un zombi al que llevan y traen se va reflejando en la Música de esta obra enorme del Rock japonés de los setenta. Percusiones que llaman a la desesperación, más voces y coros suplicantes esperando el estallido de esa Psycho tardía que viene de la mano de guitarras con efectos y señales para arrancarnos la piel.

Todo el efecto de una obra visual como pretende ser este disco que representa una historia pasa ante nuestros oídos gracias al buen hacer de los músicos que ensamblan de manera perfecta los momentos tan dispares de la pieza final con los pequeños trozos que siendo historias por sí solos al final conforman ese todo que llega a nuestras manos.

Una fantasía en clave de Rock sobre la auténtica y real vida que se nos cae encima, guitarras asesinas que te atraviesan el alma para que nada falte y un conjunto de temas (o mejor el tema formado por un conjunto de ideas) que te llevan a través de una historia maravillosa, genial y devastadora.

¡¡¡Disfrútalo!!!

De Vinilos y Otras Glorias MCLXVII

Por aquello de los viajes interestelares sin máquina del tiempo, un pequeño recorrido a ciertos mitos del lejano oriente anclados en esa isla donde a veces todo es posible.

Itsutsu No Akai Fusen (Flight Part 2) 1971

Como su nombre indica esta entrega del trabajo realizado por Itsutsu No Akai Fusen es la segunda parte de una idea que en menos de un año produjo dos discos de una peculiar y excepcional calidad blandiendo entre sus manos una mezcla de estilos de lo más variopinto.

A pesar de esta amalgama de sonidos el resultado es sorprendente y muy, pero que muy aprovechable, piezas que pueden resultar factibles para presentación como tema principal de cualquier banda sonora de esas películas de amores buscados y que al final acaban con un beso; otros momentos desviados a través de la perfecta conjunción de las voces chico-chica que se deslizan por un Folk Cósmico que permiten volar hacia el espacio elegido por nuestra mente todo ello acompañado por acústicas de melodías sublimes y delicadas que nos mecen al contacto con nuestros sentidos.

Podemos creer que esta mezcla de temas llegados de entornos alejados de las ciudades y paridos en zonas donde la meditación es parte de la vida sea un poco pueril pero sólo hay que estar atento a la dulce suavidad de las distintas composiciones, los arreglos que van entrando casi como un suspiro sin apenas percibirse (la guitarra alardeando de wah-wah por detrás de las voces tomando sus espacios para los solos es algo mágico) convirtiéndolo todo en un viaje espacial montados en la nave en la cual ese Folk meditativo y de profundas convicciones va abrazándonos con el susurro de las voces por encima de todo lo que sugiere contarnos historias.

El japonés, lengua de matices duros y secos en ocasiones, de temperamento y elevadas emociones aquí nos llega dulce, como un vestido de seda para acoplarse a la piel de quien lo está escuchando.

En un panorama donde el Rock se erigía como el máximo exponente de la cultura musical nipona este "Flight Part 2" es una demostración de Folk depurado, lleno de matices y metido de lleno en la marca de calidad que lograron formar grupos y solistas de un país tan especial como alejado de los convencionalismos cuando se ponían a componer.

Disfruta y relájate para volar hasta donde quieras, es algo que nunca te van a solicitar, suelen estar en otra cosa.

Poster

Páramo

Veo una criatura feroz y desenfrenada, como un incendio voraz que todo lo engulle, sin embargo extiendo hacia él mi llama para confundirme en la luz que desprende.

La oscuridad de las profundidades me guía hacia su alma llevándome a su páramo, su mundo, el lugar donde nadie habita más allá de la propia existencia.

El silencio me recoge envuelto en un aura de enigmática tristeza, todo es el vacío con el que se llenan los momentos que no podemos comprender; una tierra baldía, donde nada crece al sembrarse.

Southern Rock

Música

Es muy probable que todo lo que soy me haya dejado sin aliento a lo largo de mi vida, que las acciones para ser feliz se llevaran gran parte de ese halo de felicidad que ya existía en mi alma, pero al menos la Música ha conseguido a pesar de los años, las décadas y quienes no desean que esté que mi espíritu siga volando libre por esa tierra de los sueños donde nadie puede alcanzarme.

El Dragón

No es nuevo para mí comentar que soy un fiel seguidor de la teoría de la involución humana, especialmente en el ámbito social de nuestro mundo y las culturas que nos rodean, una involución que está consiguiendo que todo gire en una dirección, ese aire neo fascista (por ser una palabra que me lo engloba todo) que impide el desarrollo de lo que siempre se ha mantenido como base de la sociedad civilizada y busca descaradamente que el miedo lo invada todo para tenernos con la bota apretando el cuello a través de los cabestros que en su mediocridad admiten sin problemas que así es como mejor se está.

Quizás estoy anticuado en mis planteamientos de convivencia, quizás sueño despierto cuando busco un "Buenos días" o un "pase usted primero...", es muy posible que el empujón, la mala baba y las ganas de joder al de al lado estén de moda desde hace mucho porque es la única manera de hacernos valer, pero como sigo pensando que a su manera todo está preparado para que siga una dirección camuflado en el aire de la libertad que ya no existe (un antiguo compañero me decía que las conspiraciones judeo-masónicas no existen y después soltaba la frase "tendrá que ser así") pues estar aprendiendo a no aprender, a no pensar y a que nos hagan la paja en vez de ponerse "manos a la obra" uno o una misma nos está llevando a eso, a que el intelecto se atrofia y después no nos llega para más allá del "tendrá que ser así".

Me sigo negando a que tenga que ser así, especialmente cuando ese tufo de guerra encubierta a través de leyes que oprimen y ensalzan valores tan humanos como la envidia, el rencor, la venganza, el puteo porque sí... demuestran que no tiene que ser así pero que nos han adormecido para que por cojones lo sea.

Curiosamente me he perdido durante algunas semanas en lugares donde aún creen que la casa se comienza a construir por los cimientos, lugares que dan un valor enorme tanto ético como moral como mundano (porque son muy mundanos cuando quieren por aquello de ser seres humanos) a los detalles, a las insignificancias que hacen que a partir de ahí todo funcione y si eres una persona con una pizca de sensibilidad (también es cierto que hay que tener esa pizca pero todo se fomenta) aceptas lo que te viene y entras sin ningún esfuerzo en el círculo sonriendo en las situaciones más simples, abriendo una puerta para dejar pasar, dando los "buenos días" para que la lluvia y la humedad molesten un poco menos, aceptando los males de vivir entre millones de personas procurando que cada gesto, cada paso o cada acción conlleve facilitar lo que se presume como algo inviable.

En definitiva he estado viviendo durante varias semanas en un lugar en el cual la educación, las formas y el respeto por las personas es la guía obligada por convicción, no por cojones y realmente me ha dejado un sabor de boca maravilloso en el tiempo en el cual lo he vivido y un regusto de amargura por lo que venía después. 

Será que me hago mayor, no lo discuto, será que ahora necesito otras cosas es cierto, pero en lo que yo recuerdo siempre me han inculcado ese respeto y trato que ahora el fascinante mundo de los seres humanos que gobiernan y dictan las leyes se niegan a mantener porque el miedo y el acojono siguen siendo un valor en alza para ellos y así es más fácil todo.

La mediocridad es gratis y la falta de todo también, si jodes al de al lado porque a ti te han jodido uno que a su vez ha sido jodido por otro que fue jodido y que viene del despacho del que jode y va a otro donde se escriben las normas para joder la cadena jamás se corta y en estos casos eso de "jodidos pero contentos" no vale, que van en juego tantas cosas importantes que al final...

He vuelto y me encontrado lo mismo (lo de los agujeros negros y los saltos de espacio temporal aún no los controlo) gritos, malos modos, miradas de perdona vidas, el amargado que escupe, la mierda que se vende y la sonrisa por ver al compañero, amigo, familiar o quien sea tan jodido como tú y no es que no tengan problemas de donde vengo, que los deben tener y gordos tal y como se manejan en un espacio reducido sin posibilidad de escapar, pero la base de la vivienda sigue sin desmoronarse desde hace siglos y eso permite construir de otra manera cuando todo se cae.